Werke in der Engelsburg Rom: Gemälde, Statuen, Architektur

Planen Sie einen Besuch einer der wichtigsten Sehenswürdigkeiten Roms und möchten Sie wissen, welche Werke sich in der Engelsburg befinden?

In diesem Beitrag entdecken wir gemeinsam alle Werke der Engelsburg, beginnend mit den Statuen, dann die Gemälde und schließlich die architektonischen Werke.

Sind Sie bereit? Fangen wir an!

Was sich in der Engelsburg befindet

Architektonische Arbeiten

Misericordia-Glocke

Diese Glocke, die sich im Zentrum der Burg befindet, ist eine imposante Bronzestruktur mit dekorativen Schnitzereien, die auf die Zeit des Römischen Reiches zurückgehen. Sie wurde in der Vergangenheit als Zeichen für wichtige Ereignisse und für religiöse Zwecke verwendet und ist ein Symbol für die Geschichte und die Spiritualität des Schlosses.

Korinthische Hauptstadt

Dieses Capitello mit seinen filigranen Details und seiner eleganten Form ist ein hervorragendes Beispiel römischer Baukunst. Verziert mit Akanthusblättern und anderen für die Epoche typischen Ornamenten, repräsentiert es die Raffinesse und Erhabenheit der klassischen Architektur.

Fahne der Bombardiere von Engelsburg

Das aus edlen Stoffen gefertigte und reich verzierte Bomberbanner ist ein Symbol für die militärische Stärke und den Ruhm der Burg. Seine Bilder stellen die Heldentaten der Soldaten dar, die das Bauwerk im Laufe der Jahrhunderte verteidigt haben.

Gemälde

Cavalier d’Arpino, Porträt von Prospero Farinacci

Porträt von Prospero Farinacci: Quelle Wikipedia

In Cavalier d’Arpinos Porträt von Prospero Farinacci sehen wir uns mit einem Bild konfrontiert, das das Wesen eines strengen, älteren Mannes einfängt, der in einem nüchternen Arbeitszimmer vor einem Tisch sitzt. Sein ernster Gesichtsausdruck spiegelt die Tiefe seiner Gedanken wider, während er ein Buch aufschlägt und mit dem Finger auf einen Brief zeigt, der an den „Steuerkönig von Rom für Gioseppe d’Arpino“ gerichtet ist. Diese Unterschrift und die Widmung des Künstlers an den Porträtierten, den berühmten Juristen und Anwalt Prospero Farinacci, sind Details, die dem Gemälde eine besondere Bedeutung verleihen.

Dieses Werk, ein seltenes Beispiel eines Porträts von Cavalier d’Arpino, das bis heute erhalten geblieben ist, wird von Kunsthistorikern auf 1607 datiert. In diesem Jahr war der Künstler in einen Prozess wegen illegalen Waffenbesitzes verwickelt, ein Ereignis, das sein Leben und seine Karriere prägte. Der Farinacci könnte als Generalstaatsanwalt eine Schlüsselrolle in dieser Angelegenheit gespielt haben, und das Porträt könnte eine Geste der Dankbarkeit oder sogar eine Art Belohnung für geleistete Dienste gewesen sein.

Diese Darstellung gibt uns nicht nur einen Einblick in die imposante Gestalt Farinaccis, sondern führt uns auch in die Mäander der Geschichte und Politik dieser Zeit, was diesem kostbaren Kunstwerk eine zusätzliche Faszination verleiht.

Carlo Crivelli, Christus Segen

Die zwei kleinen Tafeln, die ursprünglich zu einem Altarbild mit der Darstellung der Krönung der Jungfrau gehörten, waren Teil des Kunstkomplexes, der die Kirche von San Francesco in Fabriano schmückte.

Dieses Altarbild, das 1493 fertiggestellt und von dem berühmten Carlo Crivelli signiert wurde, sollte der Volltreffer der religiösen Verehrung in der Kirche werden. Die Tafeln gehörten zusammen mit zehn weiteren Heiligendarstellungen zur Predella, die in einem Bogenfenster angebracht war.

Im 18. Jahrhundert wurde die Kirche jedoch umgebaut und das Kunstwerk entfernt. Das zentrale Altarbild, das Die Pietà und die Krönung zeigt, befindet sich heute in der Galerie Brera in Mailand. Die Predella hingegen wurde geteilt und in verschiedene Teile zerstreut und gelangte in Privatsammlungen in Frankreich und Ungarn.

Die beiden fraglichen Tafeln, auf denen Der segnende Christus und der heilige Onofrio dargestellt sind, befanden sich wahrscheinlich in der Mitte bzw. am rechten Ende der Predella, wie die Anordnung der Figuren und ihre Beziehung zum umgebenden Raum nahelegen.

Der Stil dieser Werke zeichnet sich durch eine präzise und akribische Zeichnung aus, die typisch für die späteren Phasen der künstlerischen Laufbahn von Crivelli ist, der die Ausdruckskraft der Details der Farbwiedergabe vorzog. Dies zeigt sich im intensiven Ausdruck des Heiligen Onofrio, dessen gequältes Gesicht dem Betrachter eine tiefe Emotionalität vermittelt.

Klage über den toten Christus

Die Skulpturengruppe um den soeben vom Kreuz abgenommenen Leib Christi ist ein kraftvolles Porträt der sieben Leidensgestalten, die diesen entscheidenden Moment der christlichen Geschichte umgeben. Nikodemus, der junge Johannes der Evangelist und die drei Marias stehen neben der Jungfrau, die an ihrem traditionellen roten Gewand und blauen Mantel leicht zu erkennen ist. Joseph von Arimathäa, der ursprünglich mit den Nägeln des Kreuzes und dem Hammer in den Händen dargestellt wurde, schließt die Gruppe ab.

Die Figuren zeigen eine archaische Gelassenheit, die mit dem stark pathetischen Ausdruck der Gesichter kontrastiert, wodurch ein spannender Kontrast entsteht. Diese Tradition der hölzernen Gruppen, die diesem Andachtsthema gewidmet sind, ist transalpinen Ursprungs und verbreitete sich in Norditalien im frühen 15.

Der Autor der Gruppe bleibt leider unbekannt, aber neuere Studien legen nahe, dass sie von einer spezialisierten Werkstatt ausgeführt wurde, die wahrscheinlich lombardisch-piemontesischen Ursprungs, aber im ligurischen Raum tätig war. Zu den vorgeschlagenen Vergleichen gehören Ähnlichkeiten mit der Beweinung im Museo Civico di Arte Antica in Turin, einem Werk von Domenico Mezzagora, das auf das Ende des 15. Jahrhunderts datiert wird, und mit dem hölzernen Kruzifix in der Kirche Sant’Ambrogio in Varazze, das auf die Jahre 1440-50 datiert wird, insbesondere was die Christusfigur betrifft.

Groteske Dekoration – Detail (Cagliostra)

Der dekorative Geschmack der Grotteske, der sich in der Renaissance zu einem eigenständigen Kunststil entwickelte, hat seine Wurzeln in den antiken Traditionen der gemalten oder reliefierten Ornamente, die in den Gebäuden des alten Roms zu finden waren. Dieser charakteristische Stil besteht aus einer Vielzahl von kleinen Figuren aus Stuck oder Fresko auf einem neutralen Hintergrund. Masken, Genies, verschlungene Pflanzenformen, menschliche, tierische und monströse Kreaturen wechseln sich mit mythologischen Szenen und Landschaften in phantasievollen Rahmen ab.

Die frühesten Erwähnungen dieser Art von Dekoration gehen auf Vitruvius und Plinius zurück, die sie als unterhaltsame Elemente zur Verschönerung der Innenräume von Wohnhäusern beschrieben. Bedeutende Beispiele für diesen Stil finden sich im Haus der Livia in Prima Porta und in Pompeji, darunter das Haus des Fauns, die Villa der Mysterien und das Haus der Vetii. Im Rom des 16. Jahrhunderts inspirierten die Stuckverzierungen der Bögen des Kolosseums zahlreiche Künstler wie Luzio Romano, der sie in zahlreichen Zeichnungen wiedergab.

Die Entdeckung der Höhlen von Neros Domus Aurea in Rom im Jahr 1480 gab den Künstlern des 15. und 16. Jahrhunderts jedoch neue Impulse. Diese von humanistischen Idealen beeinflussten Künstler betrachteten die römische Antike als ein goldenes Zeitalter für Kunst und Kultur. Künstler wie Brunelleschi, Donatello und Raffael erforschten die Grotten und lösten damit eine künstlerische Wiederbelebung aus, an der sich viele andere Künstler der Zeit beteiligten, wie Giovanni da Udine, Giulio Romano und Perin del Vaga.

Diese künstlerische Wiederbelebung fand ihren Ausdruck in Werken wie der Loggetta und der Stufetta del Cardinale Bibbiena im Vatikanpalast, den vatikanischen Loggien, der Villa Madama und den päpstlichen Wohnungen im Castel Sant’Angelo. Die Popularität der Grotesken setzte sich in den folgenden Jahrhunderten fort, als Künstler wie die Brüder Zuccari den Palazzo Farnese in Caprarola ausschmückten. Mit der Entdeckung von Herculaneum und Pompeji im 18. Jahrhundert wurde die Vorliebe für diesen üppigen Stil erneuert und beeinflusste auch die angewandte Kunst.

Das Bad von Dosso Dossi

Auf diesem rätselhaften Gemälde versammelt sich eine Gruppe von Männern und Frauen am Ufer eines Flusses auf einer stillen Lichtung. Einige von ihnen spielen auf Musikinstrumenten, während nackte Figuren ein erotisches Thema andeuten. Im Vordergrund spielen zwei Amoretten mit einem Hund und einem Affen, Symbole, die sowohl an Treue als auch an Lust erinnern können.

Der Autor dieses Werkes ist Dosso Dossi, einer der rätselhaftesten Künstler der italienischen Renaissance. Dieses Gemälde, bekannt als „Il Bagno„, wurde lange Zeit als die von Giorgio Vasari erwähnte „bagnaria d’huomeni“ in der Alabasterkammer von Alfonso d’Este in Ferrara identifiziert. Man geht jedoch davon aus, dass sie während Dossos venezianischer Ausbildungszeit, kurz vor 1514, als er an den Hof von Este wechselte, angefertigt wurde.

Die Haupteinflüsse in Thema und Komposition stammen von Künstlern wie Giorgione und Tizian sowie aus dem neoplatonischen Kulturkreis der Jahre 1510-1513. Dosso verbindet die Natürlichkeit der Gesten mit Verweisen auf die Antike, wie im Fall des Modells des „spinario“, das von der jungen Frau im Vordergrund stammt, die sich den Fuß trocknet.

Dieses Gemälde, das sich durch eine träumerische, an symbolischen Bezügen reiche Atmosphäre auszeichnet, ragt aus dem Panorama der italienischen Malerei des frühen 16.

Fest der Götter – Kopie von Giovanni Bellini

In dieser bukolischen Szene steht eine Versammlung von mythologischen Figuren im Mittelpunkt. Merkur ist leicht zu erkennen dank des Helms und des Stabes, den er trägt. Hinter ihm trägt ein Satyr auf einem Tablett das Essen für ein Festmahl, gefolgt von anderen Figuren. Auf der rechten Seite der Komposition scheint eine schlafende, möglicherweise betrunkene Nymphe das Objekt des Spottes zu sein. Die Szene scheint von der Episode der Huldigung der Kybele inspiriert zu sein, die Ovid in den Fasti beschreibt.

Dieses Gemälde ist eine Kopie aus dem 17. Jahrhundert von einem Werk von Giovanni Bellini, das wahrscheinlich um 1509 im Auftrag von Isabella d’Este in Mantua entstand. Im Jahr 1514 wurde das Werk im Ankleidezimmer von Alfonso d’Este im Schloss von Ferrara aufgestellt und von Tizian retuschiert. Das Original, das 1598 nach der Angliederung Ferraras an den Kirchenstaat nach Rom kam, befindet sich heute in der National Gallery of Art in Washington. Eine zweite Kopie, ebenfalls aus dem 17. Jahrhundert, befindet sich in der National Gallery of Scotland in Edinburgh.

Luca Longhi, Junge Frau mit Einhorn

Junge Frau mit Einhorn: Quelle Wikimedia

Auf dem Gemälde ist eine junge Frau in eine heitere und transparente Landschaft eingetaucht, die neben einem Einhorn sitzt und dem Betrachter zugewandt ist. Mit einer einladenden Geste deutet die Frau auf das Tier, das seinerseits zu ihr zu schauen scheint. Es wird vermutet, dass es sich bei der dargestellten Figur um Giulia Farnese, die einflussreiche Schwester von Papst Paul III. handelt, die mit heraldischen Symbolen dargestellt ist. Die Jungfrau mit dem Einhorn, ein Symbol der Reinheit, war über mehrere Generationen das Emblem der Familie Farnese.

Der Künstler, der dieses Porträt schuf, ist Luca Longhi, ein Maler aus der Romagna, der für seine Familienporträts bekannt ist und vom Stil Leonardos beeinflusst wurde, vor allem in der Verwendung des Lichts, insbesondere in den Landschaften, die den Hintergrund seiner Werke bilden. Einige Gelehrte vermuten jedoch, dass die Autorin des Gemäldes die Tochter des Malers, Barbara, gewesen sein könnte, über die wenig bekannt ist. Die Komposition basiert jedoch auf einer Zeichnung Leonardos, die im Ashmolean Museum in Oxford aufbewahrt wird.

Der melancholische und distanzierte Blick der jungen Frau scheint das Bild in einem Moment der Reflexion einzufrieren, fast wie eine Warnung oder ein Symbol. Diese Idealisierung könnte von der auftraggebenden Familie gewünscht worden sein, da das Werk nach Giulias Tod im Jahr 1524 ausgeführt wurde.

Heiliger Hieronymus von Lorenzo Lotto

In einer wilden und unwirtlichen Landschaft ist Heiliger Hieronymus, eine väterliche Figur der Kirche, in seiner doppelten Gestalt als Gelehrter und Büßer dargestellt. Im Vordergrund wird er von einem treuen Löwen begleitet, dem Symbol seiner legendären Freundschaft mit den Tieren, und nimmt eine Haltung ein, die an die antike Statue eines Flussgottes erinnert, der in der Meditation über die Heilige Schrift versunken ist.

In der Ferne links, auf einem Felsen, ist die Figur des Heiligen Hieronymus zu sehen, der sich inbrünstig an das Kruzifix wendet. Wenn sich der Blick des Heiligen nach rechts wendet, wird die Landschaft allmählich weicher und enthüllt eine Burg, die aufgrund ihrer Form und der Nähe der Brücke über eine Flussbiegung an die Engelsburg erinnert. Diese Ansicht, die der Perspektive des Janiculum-Hügels entspricht, hat es ermöglicht, den ursprünglichen Standort des Gemäldes in der Kirche Sant’Onofrio zu identifizieren, und zwar in der dem Heiligen Hieronymus geweihten Kapelle, die dem Erzbischof von Tarent, Enrico Bruni, gehörte.

Bruni, ein einflussreiches Mitglied der römischen Kurie, befürwortete die Einführung von Lorenzo Lotto in die vatikanischen Räume im Jahr 1509, womit die prestigeträchtige Karriere des Künstlers begann.

Luca Signorelli, Madonna mit Kind und Heiligenfiguren

Das Altarbild, das von den Nonnen des Klosters San Michelangelo in Cortona in Auftrag gegeben und im Testament des Künstlers erwähnt wurde, zeigt die charakteristischen Merkmale des reifen Stils von Luca Signorelli. Signorelli, der stark von der Schule des Piero della Francesca beeinflusst war, zeigt dieses Erbe deutlich, vor allem in der kompakten Leuchtkraft der Farben und dem monumentalen Aufbau der Figuren. Im Gegensatz zu der für den Stil von Piero della Francesca typischen Gelassenheit weist sein Werk jedoch eine größere Aufmerksamkeit für anatomische Details und eine ausgeprägtere Dynamik auf, die das Ergebnis seiner Florentiner Erfahrung und des Einflusses von Künstlern wie Pollaiolo ist.

Dieser innovative Stil weckte das Interesse junger Künstler wie Michelangelo, der zusammen mit Signorelli am Hof von Lorenzo dem Prächtigen in Florenz zugegen war. Signorelli war mit seinem Ansatz, der eine für das Mittelalter typische strenge Spiritualität mit einer extremen plastischen Darstellung in Einklang brachte, die die traditionellen Muster der Malerei des 15. Jahrhunderts herausforderte, ein perfekter Zeuge der Übergangszeit der künstlerischen Werte am Ende des 15. Jahrhunderts. Dieser Kontrast spiegelt sich auch in seinem berühmtesten Werk wider, dem Zyklus der Apokalypse in der Kapelle San Brizio im Dom von Orvieto (1499-1502).

In dem Altarbild, das möglicherweise sein letztes Werk war, hebt sich die Figur der Jungfrau durch ihre meisterhafte Ausführung von den anderen dargestellten Figuren, wie den Engeln und Heiligen, ab. Die Jungfrau, die soeben auf einer Wolke von Cherubinen in die Luft gehoben wurde, erscheint als gigantische Figur in einem Raum, der von den anderen Figuren dominiert wird. Das Altarbild kam zusammen mit einer Predella mit den Geschichten des Täufers ins Museum, deren Beziehung zum Hauptwerk seit ihrer Schenkung in Frage gestellt wird.

Pellegrino Tibaldi – Heiliger Erzengel Michael

Pellegrino Tibaldi, ein Maler und Architekt, der ursprünglich aus der Lombardei stammte, aber eine fundierte künstlerische Ausbildung in Bologna genossen hatte, kam wahrscheinlich schon 1543 nach Rom. Hier machte er sich einen Namen, indem er an der Seite von Daniele da Volterra an der Orsini-Kapelle in Trinità dei Monti arbeitete und zusammen mit Perin del Vaga an der Ausgestaltung der Sala Regia im Vatikan und der Engelsburg mitwirkte.

Von Daniele da Volterra erwarb Tibaldi einen stark plastischen Stil, der eindeutig von Michelangelo beeinflusst war, während er von Perin del Vaga einen raffinierteren Intellektualismus übernahm. Noch vor Perins Tod etablierte sich Tibaldi als einer der Hauptausführenden seiner Entwürfe für die Engelsburg und bewies dabei auch eine große Autonomie im kreativen Prozess.

Auf dem Gemälde des Erzengels Michael, dem Beschützer der Burg, stellt Tibaldi die Figur in einem prächtigen Mantel und einer kurzen, vom Wind gewehten Rüstung dar. Die mächtige Gestalt des Erzengels scheint sich ungestüm vorwärts zu bewegen, während er sein Schwert zieht, was an den legendären Moment der Engelserscheinung auf der Spitze der Burg und das anschließende Ende der Pest erinnert.

Im Jahr 1549 schuf Tibaldi die Anbetung der Hirten, die sich heute in der Galleria Borghese befindet und in der man die gleichen plastischen Formen der Figuren, ihre intensiven Gesten und eine Perspektive, die ihren Bewegungen folgt, sehen kann. Nach seinen Erfahrungen in der Engelsburg setzte Tibaldi die Kompositionsschemata, die er während seines Aufenthalts in Rom gelernt hatte, 1552 im Palazzo Poggi in Bologna fort.

Perin del Vaga – Alexander der Große lässt die Werke von Homer in eine Schatulle legen

Die Szene zeigt den Moment, in dem Alexander der Große die homerischen Gedichte in einer Schatulle aufbewahren lässt, eine Geste, die die feine Kultur und die Liebe zu den klassischen Texten von Paul III Farnese, dem Papst, der das Werk in Auftrag gegeben hat, feiert. Diese ikonografische Wahl unterstreicht die Ähnlichkeit zwischen dem Papst und dem makedonischen Herrscher der Antike, der nicht nur für seine militärischen Taten, sondern auch für seine Verbindung zu Aristoteles bekannt war.

Perino del Vaga, der für das Fresko verantwortliche Maler, fertigte die vorbereitenden Karikaturen für diese Szene an und überließ die malerische Umsetzung seinen Mitarbeitern, womit er der von seinem Meister Raffael übernommenen Praxis folgte. Pellegrino Tibaldi und Domenico Zaga, die nach Perinos Tod die Leitung der Baustelle übernahmen, waren hauptsächlich für die Ausführung der monochromen Tafeln an den beiden größten Seiten des Saals verantwortlich.

Die Sala Paolina wurde zwischen Januar und Juli 1547 dekoriert, und neben der Sarg-Szene mit den homerischen Gedichten wurden auch andere Szenen mit Bezug zu Alexander dem Großen gemalt. Auf der rechten Seite des Saals, neben der Schatullenszene, sind Darstellungen von Alexanders Durchschlagen des gordischen Knotens und seiner Gnade gegenüber der Familie des Darius zu sehen. Auf der linken Seite sind dagegen Szenen zu sehen, in denen Alexander Frieden zwischen zwei Kameraden schließt und die Bundeslade weiht.

Trotz der verschiedenen Hände, die an der Ausführung beteiligt waren, sind die Szenen stilistisch homogen. Die Monumentalität der Figuren und der feierliche Ton des dekorativen Zyklus rufen direkte Vergleiche mit Meisterwerken wie Michelangelos Jüngstem Gericht in der Sixtinischen Kapelle hervor.

Perin del Vaga – Amor und Psyche

Die berühmteste Tafel im Saal von Amor und Psyche in der Engelsburg wurde von Perin del Vaga entworfen, ebenso wie die anderen, die den Freskenzyklus bilden. Als Inspiration für dieses Werk diente der dreizehnte von 33 Stichen, die der Maestro del Dado und Agostino Veneziano nach den damals sehr beliebten Zeichnungen des flämischen Künstlers Michiel Coxcie zwischen 1532 und 1535 schufen.

Der Rahmen ist in drei verschiedene Momente unterteilt, die der zeitlichen Reihenfolge von rechts nach links folgen. Auf der rechten Seite verwundet sich Psyche mit dem Pfeil der Liebe, der in Schatten gehüllt ist. In der Mitte nähert sich Psyche mit einer Lampe in der Hand ihrem schlafenden Bräutigam, der seine Waffen niedergelegt hat. Auf der linken Seite fliegt die Liebe, wach und enttäuscht, weg und lässt Psyche in ihrer Verzweiflung zurück, wie es in Buch V, Kapitel 23 von Apuleius‘ Goldenem Esel erzählt wird.

Die Komposition folgt zwar getreu der Vorlage des Stichs, aber der Stil von Perin del Vaga kommt in der Art und Weise, wie er die Szene darstellt, voll zum Ausdruck. Sein Stil verbindet raphaeleske naturalistische Harmonien mit einer intellektuellen Abstraktion, die durch den raffinierten Manierismus von Rosso Fiorentino und Primaticcio beeinflusst ist.

Die zentrale Szene öffnet sich dem Betrachter wie eine Bühne, begrenzt durch den Baldachin des Bettes und beleuchtet durch die von Psyche gehaltene Lampe, die das Licht auf die Figuren reflektiert. Die Figuren der Liebenden sind weich modelliert, mit langen, schlanken Gliedern, die sich von dem Weiß der Laken abheben und mit den roten Vorhängen kontrastieren.

Dieser Freskenzyklus über die Fabel von Amor und Psyche war ein Bezugspunkt für andere ähnliche Werke, die nach der Mitte des 16. Jahrhunderts realisiert wurden, wie die im Palazzo Spada Capodiferro und im Palazzo Vitelli in Sant’Egidio, die beide im folgenden Jahrzehnt vollendet wurden.

Perin del Vaga – Perseus

Die Ausführung der Decke und des Frieses des Perseus-Saals fand zwischen August 1545 und Mai 1546 statt, zur gleichen Zeit wie die Arbeiten in den angrenzenden Räumen von Amor und Psyche und Pauline sowie im Regia-Saal im Vatikan. Es ist wahrscheinlich, dass die Perseus-Geschichten, die von Perin del Vaga entworfen wurden, wie die zahlreichen Vorzeichnungen belegen, von Mitarbeitern ausgeführt wurden. Dies ändert jedoch nichts an der Tatsache, dass der Freskenzyklus von höchster malerischer Qualität ist.

Die Schlussszene besteht aus drei verschiedenen Episoden. Auf der linken Seite ist Perseus in gebückter Haltung dargestellt, die Waffen niedergelegt, nachdem er von seiner Heldentat zurückgekehrt ist, bei der er das Seeungeheuer besiegte, das Andromeda bedrohte. Im Hintergrund wird diese Episode in Erinnerung gerufen. Aus dem abgetrennten Haupt der Medusa bringt das sprudelnde Blut auf wundersame Weise eine Koralle hervor, während tanzende Jungfrauen in den Gewässern des Meeres dieses Wunderwerk bezeugen. Rechts, in der Ferne, findet das Hochzeitsmahl zwischen Perseus und Andromeda in einer offenen Architektur statt, hinter der eine in eine unwirkliche Atmosphäre getauchte Stadt zu sehen ist.

Die fast kinetische Dynamik, die verschiedene Sequenzen der Geschichte im selben Raum zusammenführt, beeindruckt den Betrachter. Die Treue zum Entwurf des fertigen Werks zeigt, dass die Autonomie des Ausführenden (wahrscheinlich Domenico Zaga oder Prospero Fontana) im Vergleich zur Entwurfsphase begrenzt war, was eine weitgehende Homogenität mit dem Rest des Frieses gewährleistet. symbolisieren die Rückkehr zu Ordnung und Harmonie nach dem Trauma der Reformation.

Ambrogio Zavattari und Werkstatt, Polyptychon

Das Polyptychon, das den Zavattari zugeschrieben wird, wurde von dem Kritiker Roberto Longhi auf die Zeit zwischen 1444 und 1450 datiert, wobei er sich auf stilistische Vergleiche mit dem Freskenzyklus der Geschichten der Theodolinda im Dom von Monza stützte. Dieser 1444 datierte Zyklus ist ein autographes Werk der Familie Zavattari, die zu den Hauptvertretern des gotischen Hofstils in der Lombardei gehörte.

Fünf der sieben Tafeln des Polyptychons kamen in einem neugotischen Rahmen aus dem 19. Jahrhundert in das Nationalmuseum von Castel Sant’Angelo. Die beiden anderen Tafeln, die den S. Benedikt und den hl. Abt Antonius, wurden 1957 als Teile desselben Polyptychons identifiziert und erst im Jahr 2000 vom Museum erworben.

Der ursprüngliche Aufbewahrungsort des Polyptychons ist nicht bekannt, aber es wird vermutet, dass es für den Altar des Mailänder Doms bestimmt war, da der Heilige Ambrosius und der Heilige Viktor, zwei in der lombardischen Stadt besonders verehrte Heilige, abgebildet sind.

Statuen und Skulpturen

Der heilige Erzengel Michael von Raffaello da Montelupo (Raffaele Sinibaldi)

Die Statue des Erzengels Michael, die dem von Paul III. geschätzten Bildhauer und Architekten zugeschrieben wird, wurde dank der Entdeckung von Zahlungen zwischen Juli und Oktober 1544 identifiziert. Es ist die einzige erhaltene Skulptur unter den zahlreichen Darstellungen des Erzengels, die einst die Spitze des Schlosses schmückten, bevor sie im 18. Jahrhundert ersetzt wurden.

In der Statue trägt St. Michael ein langes Gewand, entsprechend der spätmittelalterlichen ikonographischen Tradition, während der Helm zu seinen Füßen eine in der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts üblich war. Die Rüstung wird von Schulterriemen gehalten, auf denen die Farnese-Lilie, das Symbol der Familie des Patrons, abgebildet ist, und der übergroße Kopf ist durch seinen ursprünglichen Standort gerechtfertigt, der eine Ansicht von unten nach oben vorsah.

Die ursprüngliche Statue hatte bemalte und vergoldete Metallflügel, die zur Verringerung der Windreibung perforiert waren. Es wird angenommen, dass diese Version dem Prototyp, der um 1450 für Nikolaus V. angefertigt wurde und bei der Explosion von 1492 verloren ging, recht treu ist. Allerdings weist das Gesicht des Engels eine Besonderheit auf, die an das der Lea-Statue im Grab von Julius II. in San Pietro in Vincoli erinnert, wo Montelupo, der Bildhauer dieses Werks, mit Michelangelo zusammenarbeitete.

Die Michaelsstatue wurde 1660 von Gian Lorenzo Bernini restauriert, nachdem sie schwer beschädigt worden war. 1752 wurde sie durch eine Bronzestatue von Pieter Anton Verschaffelt ersetzt. Sie wurde zunächst in eine Nische in der Kordonade Pauls III. gebracht und 1910 in dem nach ihr benannten Innenhof aufgestellt.

Peter Anton Verschaffelt – Erzengel Michael

Im Jahr 1746 schrieb Papst Benedikt XIV. Lambertini einen Wettbewerb für eine neue Engelsstatue für die Engelsburg aus, anlässlich des Jubiläums von 1750. Der Gewinner dieses Wettbewerbs war der Flame Peter Anton Verschaffelt, der seine Ausbildung in Paris bei dem Bildhauer Edmé Bouchardon erhalten hatte und sich bereits in Rom als Porträtmaler des Papstes hervorgetan hatte.

Die Herstellung der Statue stieß aufgrund der großen Menge des benötigten Metalls auf einige Schwierigkeiten. Sie wurde in Civitavecchia von Francesco Giardoni gegossen und erst am 28. Juni 1752 auf der Spitze der Engelsburg eingeweiht. Ursprünglich war die Statue mit einer vergoldeten Oberfläche überzogen, mit Ausnahme des Panzers, der mit Silberfolie überzogen war.

Die aus 35 Teilen bestehende Engelsstatue wurde mit der als „gute Form“ bekannten Gusstechnik, einer Variante des Wachsausschmelzverfahrens, hergestellt. Ein internes Gerüst, bestehend aus zwei gekreuzten Hauptstiften, diente zur Unterstützung der Struktur. Dieses ursprüngliche Gerüst wurde 1986 durch ein Gerüst aus rostfreiem Stahl und Titan ersetzt und ist heute in der Rotundenhalle zu sehen.

Büste von Kaiser Hadrian

Kapitalfragmente

Fragmente von Statuen

Büste des Hadrian

Büste von Togato

Diese Werke bereichern mit ihrer Vielfalt und Schönheit das künstlerische Erbe von Castel Sant’Angelo und bieten dem Besucher ein unvergessliches Erlebnis und eine Reise durch Geschichte und Kunst.